TINA MODOTTI

Tina foto de Edward Weston

Tina Modotti (Assunta Adelaide Luigia Modotti Mondini) nació en un pequeño “borgo” cerca de Udine en 1896. A los 17 años dejó su trabajo en la fábrica texil y salió hacia los Estados Unidos, rumbo Ellis Island y Nueva York, y luego se unió a su padre en San Francisco. Cuando niña, antes de radicarse en Friuli, Tina ya había vivido una experiencia migratoria, porque había crecido en una zona de la Carintia austriaca donde habitaban muchas familias slovenas.

En los EE.UU. tuvo que buscar trabajo como obrera pero se dedicó también al teatro y alcanzó el mundo dorado del cine mudo hollywoodiano, actuando en varias películas, siempre con el papel de la femme fatal (la única cinta que se ha mantenido intacta es Tiger’s Coat de 1920): nunca fue verdaderamente satisfecha de esta posición superficial y pronto dejó la pantalla para entrar en los cìrculos intelectuales de California.

En una exhibición internacional para la inauguración del Canal de Panamá encontró su futuro esposo, el artista canadiense Roubaix de l’Abrie Richey, apodado “Robo”, y con él Tina se trasladò a Los Ángeles haciéndose deseñadora de moda en el atelier de su marido.




Durante las tertulias en esta casa, Tina conoció a Edward Weston y, a medida que su relación con Robo se desmorronaba, la actración hacía el fotografo seguía aumentando: d’Abrie Richey aceptaba esta situación ambigua y, en efecto, llevaba adelante un amorío homosexual con el periodista mexicano Ricardo Gómez Robelo.

Manos Tina Modotti

Robo salió hacia México para partecipar al clima de renovación cultural que seguía los años sangrientos de la revolución: gracias a las políticas educativas del Ministro José Vasconcelos, los muros de los edificios públicos fueron entregados a los pintores muralistas que dejaron el rifle para tomar el cepillar.



Diego Rivera


Cuando Tina llegó a México para promover una exhibición de las fotos de Edward, su marido ya estaba muerto de viruela.

Weston pareció entusiasta del fermento de la capital federal pero luego perdió su interés para la sociedad y se volvió más introspectivo y minimalista (es famosa su serie de tomas de un excusado). Por lo contrario, Tina abandonó el formalismo estético para observar los campesinos y las mujeres (de un viaje en el estado de Oaxaca sacó su serie “Las mujeres de Tehuantepéc”. Son las mismas comunidades matriarcales retratadas por la fotografa mexicana Gabriela Itubide) y, cuando por fin Edward decidió volver a California, ella se inscribe en el Partido Comunista .

Mujer Graciela Itubide



Excusado de Edward Weston

Así conoció a otro hombre carismático, el disidente político cubano Julio Antonio Mella, que había salido de su isla siendo perseguido por el régimen de Gerardo Machado y que, desde su exilio, estaba organizando una rebelión contra la dictadura. Quizás fue un sicario enviado por el líder militar quién lo mató en 1929, pero la prensa empezó una campaña contra Tina y los demás extranjeros en México. En 1930 Tina fue expulsada del País hacía EE.UU. pero fue obligada a dirigirse en Europa para establecerse en una Berlín fría donde ya se sentían ecos del nazismo. No logrando adaptarse a este nuevo lugar y a las tecnología fotográfica que avanzaba rapidamente, se cerró en un silencio que no quebró ni siquiera cuando Gerda Taro, pareja del reportero Robert Capa le pidió documentar la tragedia de la guerra civil española. Después de una larga temporada en la Rusia stalista, Tina fue enviada al frente con su novio Vittorio Vidali (aliás capitán Carlos Cotreras del Quinto Regimiento) y permaneció en la zona de Barcelona durante todo el conflicto, trabajando de enfermera y traductora para el Socorro Rojo.





Guerra civil española Gerda Taro





Cuando volvió a México bajo el nuevo gobierno del presidente Lázaro Cárdenas (que ofrecía hospidalidad a los refugiados Republicanos), usando un pasaporte falso a nombre de María Sánchez, nadie reconoció a la mujer solar de nueve años antes. A Tina, el dolor la había vuelto intrasigente y opaca. Se negó a ver sus viejos amigos y nunca volvió a buscar su Garflex, que Manuel Álvarez Bravo custodiaba en su casa. Para justificar su portamiento, ella aducía razones ideológicas, dado que la mayoria de los intelectuales mexicano eran partidarios de Trosky,encerrado en una casa-fortaleza de Coyohacán cerca del domicilio de Frida Kalho y Diego Riv

Julio Antonio Mella Tina Modotti

era. Nunca se aclaró si Tina estaba a parte de la parcela contra el sóvietico pero es cierto que conociera a los autores del atentado a su vida (un grupo encabezado por el muralista radical David Alfaro Siqueiros).

Murió en circumstancias misteriosa en 1942 de una “congestión generalizada” que, según afirman algunas tesis, coincide con el modus operandi de la policía stalista, de manera que muchos periodistas pensaron que Vidali fuera el culpable.



Letcuras en italiano



Tina Pino Cacucci

Tina Modotti tra verità e leggenda Christiane Backhausen

Tina Modotti Paolo Cossi (fumetto)

Vita arte e rivoluzione, Lettere a Edward Weston (1922-31), a cura di V. Agostinis





Hélène Elizabeth Louise Amélie Paula Dolores Poniatowska Amor (París, Francia; 19 de mayo de 1932) es una escritora, activista y periodista mexicana cuya obra literaria ha sido distinguida con numerosos premios. Al nacer recibió el titulo de princesa por ser descendiente de Estanislao II, último rey de Polonia.



En 1954 empezó su carrera periodistica y actualmente escribe para La Jornada. El reconoscimiento internacional vino con su libro de testimunio Hasta no verte más Jesús mío (Fino al giorno del giudizio Giunti Editore) que ganó el Premio Mazatlán en 1971, y sobretodo con La noche de Tlateloclo sobre la matanza de estudiantes occurrida el 12 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas. Poniatowska ha escrito cuentos, novelas, teatro y poesía. Entre las constantes de su obra encontramos la presencia de la mujer y su visión del mundo, la Ciudad de México con su belleza y sus problemas, las luchas sociales, la vida cotidiana, la literatura, la denuncia de injusticias y la crítica social.

ANNA SCAPPATICCI

«“Libertà” è poco. Quello che desidero ancora non ha un nome.» diceva la scrittrice brasiliana Clarice Lispector e con queste parole descriveva tutto l’universo femminile, declinandolo in prima persona e da un punto di vista intimo e soggettivo. Una frase così semplice e profonda resta impressa e scava una nicchia nell’inconscio, richiedendo un’interpretazione individuale, mai del tutto univoca. È la stessa cosa che avviene di fronte alle opere di Anna Scappaticci. Qui la sua donna assume un numero infinito di volti ma rievoca un unico archetipo che sembra nascere dalla memoria, riaffiorando come in una leggenda, con la forza evocativa di un sogno. Le chiome sciolte al vento, gli occhi che brillano con fierezza e la tenera sensualità delle curve richiamano la bella Carmen di Mérimée – un po’ bambina e un po’ incantatrice – o l’Esmeralda di Hugo; e i questo senso il Gobbo di Notre-Dame illustrato recentemente da Benjamin Lacombe potrebbe essere una buona pietra di paragone.

Ma in queste opere si ritrova un’altra inquietudine, che non è tanto quella gotico-romantica dell’autore francese quanto una rilettura della sensibilità simbolista vicina all’Art Nouveau di Mucha e Grasset. Come il modernismo inseriva la flessuosità del corpo in un contesto naturale ritagliato per rispondere alle esigenze del design, così l’artista genovese esplora una dimensione in cui i sentimenti vengono di volta in volta trasfigurati, trasformandosi in elementi del paesaggio. La complessità della figura muliebre – ricondotta all’ambigua essenzialità felina – è fondamentale in ogni momento espressivo, ma il legame con l’ambiente è altrettanto importante nella costruzione di un’identità di genere che si confronta con il mondo esterno.

Inoltre, il gusto per la ricercatezza klimtiana riempie lo spazio di elementi che, senza essere meramente decorativi, sono i segni di una trama narrativa che si dipana disegno dopo disegno, seguendo quasi un’enigmatica sequenza letteraria che si costruisce secondo i canoni del Realismo Magico di Felice Casorati: l’attenzione al verismo del ritratto che rimanda ai modelli tradizionali rende verosimile l’esistenza di scenari metaforici nati dalla proiezione speculativa dell’Ego.

CHARLES SHEELER

l'argomento di oggi è l'arte industriale!

Charles Sheeler (Filadelfia, 6 luglio 1883 – Dobbs Ferry, 7 maggio 1965) è stato un pittore e fotografo statunitense, tra i maggiori esponenti della corrente pittorica del precisionismo, ed è riconosciuto come uno dei fondatori del modernismo americano e uno dei più grandi fotografi del ventesimo secolo.

Nato a Filadelfia, si è diplomato alla Pennsylvania Academy of Fine Arts. Nel dicembre del 1908 compie un viaggio in Italia che gli permette di conoscere la maestria delle opere di Paolo Uccello, da cui  rimane affascinato. Nel 1909 si è trasferito a Parigi, proprio nel momento in cui la popolarità del cubismo era alle stelle. Tornato negli Stati Uniti realizza di essere incompatibile con gli ideali del modernismo. Intraprende quindi la carriera di fotografo, concentrandosi in maniera particolare sui soggetti architettonici. È stato un fotografo autodidatta, che ha imparato la sua arte dalla sua macchina fotografica Brownie da cinque dollari.

Sheeler ha preso in affitto in Doylestown (Pennsylvania), una fattoria, condivisa con l'artista Morton Schamberg. Era così innamorato del vecchio forno risalente al diciannovesimo secolo di questa casa che la denominò sua "compagna" e la fotografò spesso. La fattoria stessa ha avuto un ruolo importante in molte delle sue opere. Sheeler dipingeva usando una tecnica che integrava la sua fotografia. Si è autoproclamato precisionista, termine che enfatizza la precisione lineare che adotta nei suoi lavori. Come per i suoi lavori fotografici, i suoi soggetti erano generalmente cose materiali, come macchine e strutture. È stato assunto dalla Ford per fotografare e ritrarre le proprie fabbriche.

Lavori fotografici

1917 Doylestown House: Stairs from Below (Metropolitan Museum of Art)

1927 Criss-Crossed Conveyors, River Rouge Plant, Ford Motor Company (Metropolitan Museum of Art)




Opere pittoriche

1920 Church Street El, (Cleveland Museum of Art).

1925 Still Life.

1925 Lady of the Sixties, (Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA).

1929 Upper Deck, (Fogg Art Museum, Cambridge, MA).

1930 American Landscape (Museum of Modern Art, New York, NY).

1931 Americana (Metropolitan Museum of Art, New York, NY).

1931 Classic Landscape, (Mr and Mrs Barney A Ebsworth Foundation).

1931 View of New York, (Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA).

1932 Classic Landscape, (National Gallery, Washington, D.C.).

1932 Interior with Stove, (National Gallery, Washington, D.C.).

1933 River Rouge Plant (Whitney Museum, New York, NY).

1934 American Interior, (Yale University Gallery, New Haven, CT).

1936 City Interior (Worcester Art Museum, Worcester, MA).

1939 Conversation: Sky and Earth, (Curtis Galleries, Minneapolis, MN).

1939 Primitive Power, (The Regis Collection, Minneapolis, MN).

1939 Rolling Power, (Smith College Museum of Art, Northampton, MA).

1939 Steam Turbine, (Butler Institute of American Art, Youngstown, OH).

1939 Suspended Power, (Dallas Museum of Art, Dallas, TX).

1939 Yankee Clipper, (Rhode Island School of Design, Providence, RI).

1940 Interior (National Gallery, Washington, D.C.).

1940 Fugue, (Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA).

1948 Amoskeag Canal, (Currier Museum of Art, Manchester, NH).

c.1952 Windows, (Hirschl and Adler Galleries, New York, NY).

1953 New England Irrelevancies, (Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA).

1953 Ore Into Iron, (Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA).

1954 Architectural Cadences Number 4

1955 Golden Gate, (Metropolitan Museum of Art, New York, NY).

1956 On a Shaker Theme, (Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA).

1957 Red Against White, (Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA).

WILLIAM EUGENE SMITH

William Eugene Smith (Wichita, 30 dicembre 1918 – Tucson, 15 ottobre 1978) è stato un fotografo documentarista statunitense.


Cominciò a fotografare giovanissimo, ma degli scatti dell'allora quattordicenne Smith non rimase traccia: fu lui stesso distruggerli anni dopo, giudicandoli troppo scarsi. Qualche anno dopo iniziò a collaborare con il giornale della sua cittadina e, nel 1936, fu ammesso alla Notre Dame University dove un corso di fotografia fu istituito appositamente per il promettente giovane fotografo.

Abbandonata l'università, inizio a collaborare con il settimanale Newsweek, da cui fu allontanato per aver rifiutato di lavorare con le macchine Graphic 4x5.
Nel 1939 viene contattato dalla rivista Life, con cui inizia una collaborazione che lo porterà, nel corso degli anni successivi, a coprire come fotografo di guerra il teatro bellico del Pacifico: alcune delle immagini scattate durante queste operazioni divennero vere e proprie icone della seconda guerra mondiale, e dimostrarono la capacità di Smith di raccontare la storia in fotografia.
Il 23 maggio 1945 venne ferito al volto dall'esplosione di una granata: nei due anni successivi fu costretto a dolorosi interventi e a una lunga riabilitazione, in un periodo in cui si domandò più volte se avrebbe mai ripreso a fotografare. La fotografia "A walk to Paradise Garden" fu la prima realizzata dopo la malattia, e simboleggiò perfettamente la rinascita dell'autore unita alla speranza del mondo dopo il termine del secondo conflitto mondiale.

Negli anni successivi Smith torna a collaborare con Life e realizza alcuni dei reportage più celebri pubblicati dalla rivista americana: su tutti "Spanish Village", in cui è raccontata una cittadina spagnola in pieno franchismo, e "Country Doctor", narrazione fotografica dell'attività di un medico generico nella campagna americana.

Il rapporto con Life finì per deteriorarsi, e con esso - più in generale - crollò la fiducia di Smith verso il sistema dell'informazione americano. Nonostante questo, nel 1971 realizzò uno dei suoi reportage più riusciti, "Minamata", in cui fotografò i tragici effetti dell'inquinamento da mercurio in Giappone.
Grazie all'interessamento di Ansel Adams, ottenne nel 1976 una cattedra all'Università dell'Arizona, ma una grave forma di diabete lo portò prima al coma e successivamente alla morte, che lo colse nel 1978

MAX PECHSTEIN

Dopo aver frequentato la scuola d’arte di Zwickau, dal 1902 al 1906 studiò all’accademia d’arte di Dresda.
Nel 1906 incontrò Erich Heckel, uno dei fondatori del gruppo espressionista Die Brücke (Il Ponte).

Nel 1907 fece un viaggio in Italia, poi visitò Parigi, dove ebbe modo di ammirare da vicino le opere dei Fauves, di Matisse e di Van Gogh.

In questi anni il suo stile cessa di rifarsi all’impressionismo per evolvere verso un espressionismo dal cromatismo acceso ma allo stesso tempo temperato: a differenza di molti altri espressionisti, Pechstein ha uno stile con minore violenza drammatica.

Dopo essersi trasferito a Berlino nel 1908, si fece promotore della Nuova Secessione, per poi avvicinarsi al gruppo del Blaue Reiter.
Nel 1913 tornò in Italia per un lungo soggiorno a Firenze e in Liguria e nel 1914 si recò alle isole Palau, nel Pacifico del sud; questo mondo totalmente nuovo, senza le costrizioni delle convenzioni europee, sarà da lui romanticamente idealizzato come un paradiso terrestre.
In questi anni, ispirato dai suoi viaggi, crea i suoi lavori migliori, pieni di violenta sensualità, di fascino per l’esotico e di ideali di comunione con la natura.

Le sue opere tendono a diventare sempre più primitive, in cui la componente decorativa finisce per prevalere su quella puramente emotiva.

Il colore è ricco e modulato, ma più morbido rispetto ad altri pittori espressionisti, ed incorpora spesse linee nere che bloccano le forme in una strana immobilità, carica di stupore e contemplazione.

Negli anni immediatamente successivi alla prima guerra mondiale si guadagnò un considerevole successo, ottenendo anche numerose commissioni per mosaici e vetrate; nel 1922 fu nominato membro dell’Accademia di Berlino.

In questi anni la sua pittura si fa più naturalistica, senza però raggiungere i picchi artistici e gli slanci emotivi del passato.

Nel 1933, con l’avvento dei nazisti, Pechstein fu destituito dall’Accademia e le sue opere furono rimosse dai musei tedeschi; molte di esse furono mostrate nella mostra d’arte degenerata del 1937.

Dopo la seconda guerra mondiale fu reintegrato all’Accademia.

Morì a Berlino il 26 giugno 1955.

ALFRED STEVENS

Alfred Stevens (Bruxelles, 11 maggio 1823 – Parigi, 29 agosto 1906) è stato un pittore belga.


Alfred Émile Stevens nacque a Bruxelles, dove fu iniziato alla pittura da François-Joseph Navez, a sua volta allievo di Jacques-Louis David. Stevens fu soprattutto attivo a Parigi, dove si stabilì nel 1844. Iniziò la sua attività dipingendo quadri sulla vita miserabile delle infime classi sociali parigine, finché un suo quadro ("Ciò che viene chiamato vagabondaggio") attirò l'attenzione di Napoleone III che lo vide in occasione dell'Esposizione universale del 1855. Quell'opera spinse l'Imperatore a rivedere il modo con cui l'esercito arrestava i vagabondi, che andava certamente a beneficio dell'immagine dei soldati, ma non di quella dei vagabondi.
Per un certo tempo i suoi temi storici ed il suo gusto per il kitsch orientalista ne fecero un pittore accademico, ma, a partire dal 1860, Stevens cambiò radicalmente soggetti e raggiunse un enorme successo grazie a quadri di giovani donne vestite all'ultima moda, che posavano in eleganti ambienti interni. Le sue scene di interni borghesi lo avvicinarono alla pittura di Henri Gervex, e venne anche soprannominato il "Gerard Terborch" francese per la sua perizia nel riprodurre i dettagli e le stoffe sontuose.
L'Expo di Parigi del 1867 fu per lui un trionfo, anche perché ricevette per l'occasione la Legion d'Onore. Stevens si trovava a suo agio tanto alla corte di Napoleone III e nell'alta società, quanto negli ambienti artistici e "bohemiens" della capitale. Fu amico intimo di Édouard Manet - al quale presentò il mercante d'arte Paul Durand-Ruel - e della sua cerchia di conoscenze: da Edgar Degas a Berthe Morisot, a Charles Baudelaire. Ebbe anche una certa influenza su James Whistler, col quale condivise la passione per le stampe giapponesi.
Dipinse inoltre delle "marine" e dei paesaggi costieri, in uno stile però assai più libero, si direbbe quasi impressionista, prossimo a quello di Eugène Boudin o di Johan Barthold Jongkind.
Negli ultimi anni il suo stile somigliò molto a quello del suo contemporaneo John Singer Sargent. Nel 1886 Stevens pubblicò anche "Impressions sur la peinture", un libro che ebbe una considerevole diffusione, e nel 1900 fu il primo artista vivente a cui fu dedicata una mostra personale presso la "Scuola di Belle arti" di Parigi.
Smise di dipingere dopo il 1890, per ragioni di salute, e morì a Parigi nel 1906 alla rispettabile età di 83 anni.
I suoi quadri sono stati molto popolari anche in America, dove la potente famiglia Vanderbilt ne acquistò diversi. La maggior parte di queste opere, però, rimase comunque in Francia o in Belgio.

PIET MONDRIAN "Albero grigio" e altre evoluzioni

L’approccio iniziale della  carriera pittorica di PIET MONDRIAN segue la corrente impressionista, molto in auge alla fine del 1800, volgendo poi verso il luminismo – la versione olandese del fauvismo. Questo approccio consente a Mondrian di svincolare il colore dai suoi riferimenti naturali, incentrando la ricerca pittorica sui componenti fondamentali: forma, linea e colore.

I primi quadri mostrano i mulini, i canali, i fari, le dune, i campanili e le chiese che il pittore incontra dipingendo en plein air. Sono i suoi soggetti preferiti perché, come da lui scritto, desidera entrare in contatto con la natura e con l’essenza delle cose.

Tra il 1910 ed il 1911 dipinge il trittico “Evoluzione” che rappresenta la sua adesione alla dottrina teosofica. Il colore è molto importante, in quanto il blu rappresenta la parte spirituale. Mondrian, però, non sarà mai soddisfatto di questo trittico che avrebbe potuto “sviluppare in maniera differente”. Nel quadro si legge prima la figura di sinistra poi quella di destra ed infine quella centrale nella quale gli occhi aperti e una maggiore intensità luminosa indicano la raggiunta visione di una verità superiore.

Ora il disegno inizia a semplificarsi. Fondamentale per lo sviluppo di Mondrian è la serie degli “Alberi”, interpretato in vari quadri tra il 1908 ed il ’12. L’albero da sempre rappresenta l’evoluzione della parte terrena che cerca di spingersi verso lo spirituale – i rami che puntano al cielo. Nel dipinto “Albero rosso” si ha una prima evoluzione stilistica. Il tronco è ben definito mentre i rami cominciano ad essere sintetizzati in forme più semplici. I colori iniziano e diventare importanti, riducendosi a due colori primari: il blu ed il rosso. Nel quadro seguente “Albero grigio” la forma è sempre riconoscibile e si stacca ancora dal fondo, che nel frattempo è diventato una superficie piatta. Nella successiva evoluzione verso l’astrazione abbiamo il “Melo in fiore” dove l’artista mostra solamente delle forme geometriche: i piani e le sembianze iniziano a scomparire, trasformandosi in linee curve, con colori dai toni modulati.

Da questi quadri Mondrian inizia il percorso verso la geometrizzazione, slegandosi dai principi del cubismo, col quale era entrato in contatto prima in Olanda ed in seguito a Parigi, dove si trasferì per dipingere.

L’artista inizia la sua ultima fase dell’evoluzione sempre ispirato dalla dottrina teosofica, che ha come finalità l’armonia tra interiorità ed il mondo esterno. Procede con l’eliminazione degli elementi ritenuti superflui, alla ricerca della Bellezza che intende rappresentare in una forma ancora più concreta di quella presente in natura. Le linee sono rette, semplici. Alcune attraversano completamente il quadro, per delimitare meglio lo spazio, altre sono brevi, a suddividere la tela. Le linee nere hanno diversi spessori, le campiture di grigio e dei colori primari (rosso, giallo e blu) sono stesi con una attenta varietà di pennellate orizzontali e verticali. I quadrati di colore, inizialmente posizionati in centro, si spostano verso i bordi del quadro, per focalizzare maggiormente l’attenzione sulla composizione, basata solamente sulla sua intuizione. Nei lavori incompiuti presenti nella mostra si notano le linee a carboncino disegnate da Mondrian e utilizzate per raggiungere l’armonia compositiva. La separazione tra emozione e ragione non esiste più. Mondrian ha terminato il suo percorso. Nella mostra sono presenti anche tre modelli dei suoi atelier, dove si nota anche in quel caso un’evoluzione fino a giungere alla purezza di linee dello studio di New York, che ritroveremo successivamente nei lavori dei maggiori architetti e designer del Ventesimo secolo.

ANDREA SI è PERSO o LA BANALITÀ DEL MALE

25 NOVEMBRE.


Giornata contro la violenza sulle donne.

Ascolto un professore di sociologia delle migrazioni spiegare che la discriminazione di genere è stato il tassello fondante della gerarchia sociale patriarcale e capitalista, e mi domando quale valore possano avere ventiquattro ore con un fiocchetto ufficiale sopra a fronte dei dati sempre più allarmanti che ci giungono non solo da Paesi lontani, quasi inimmaginabili, ma persino dalla nostra Italia. Il 70% delle donne uccise avevano denunciato qualche forma di abuso, spesso da parte del compagno o ex-compagno. E ci sono notizie ancora più tremende che confermano la terribile logica del branco, la necessità famelica dell’essere umano di cercare un anello debole, un capro espiatorio da colpire per non sentirsi troppo fragile. Facendo le debite proporzioni, è la teoria della Banalità del Male di Hannah Arendt: assimilare il “diverso” al rango di “bestia” per giustificare la propria crudeltà. Gli indios delle Americhe non avevano un’anima; i neri non avevano un’anima; le donne erano prive d’intelletto: non c’era nulla di sbagliato nei massacri in nome della civilizzazione, nelle punizioni corporali estreme o nella rivendicazione di un possesso oggettivo. E non si tratta di un capitolo chiuso della Storia: i campi di rieducazione nella Cambogia di Pol Pot e quelli dell’attuale regime cinese, il caporalato nel nostro sud, le operazioni di guerra a Gaza e in Siria …

E poi ci sono tante micro-storie, di quelle che occupano un trafiletto sul giornale per un giorno e poi spariscono nel dimenticatoio: il suicidio di Andrea,quindicenne romano che non tollerava più le continue prese in giro e il bullismo dei compagni di scuola. Siamo tutti indignati. Per un momento. Dopodiché scattano i retro-pensieri stereotipati: “Ah beh! Andava in giro con i jeans rosa e lo smalto sulle unghie! Era un gay!” – come se ci fosse qualcosa di cui vergognarsi, qualcosa da giustificare. Persino i quotidiani danno tutto per scontato e la morte di un ragazzo così giovane s’inscrive nel registro dei fatti annunciati e quasi naturali. Ciò su cui bisognerebbe davvero riflettere è l’atteggiamento fuorviante dell’informazione e addirittura della Procura – che indaga senza ipotesi di reato ed è restia ad aggiungere l’istigazione ai capi d’imputazione. Se non proprio “istigazione”, si potrebbe allora chiamare “diffamazione aggravata” (visto il tragico risultato). Come finirà? Con una semplice diffida? Non è la prima volta che un giovane si toglie la vita per disperazione dopo essere stato pesantemente deriso (e purtroppo non sarà l’ultima!) ma chi se ne ricorderà? Chi si ricorderà i nomi delle mogli, fidanzate e madri vessate dagli uomini della loro stessa famiglia? Chi parla più dei femminicidi messicani, la cui lista si allunga sempre di più mentre il governo copre i potenti colpevoli?

Non sono episodi sporadici di barbarie contro civiltà: in Tunisia a ottobre è stata stuprata dai poliziotti e poi accusata d’indecenza, e anche in Italia – che per anni ha guardato con perverso divertimento e pure con segreto compiacimento al fenomeno bunga.bunga / burlesque, e che rifiuta di riconoscere la regolarità delle unioni omosessuali – ci sono state vicende analoghe che non hanno lasciato strascichi e si sono spente nel nulla. È facile allora dire che si deve lavorare per cambiare la mentalità, ma nella pratica sembrerebbe quasi impossibile, dato che si dovrebbero sovvertire le logiche dominanti di un intero sistema corrotto fin dalle fondamenta.

Non bastano le parole se poi nei libri di testo i nomi di pittrici, scrittrici, politiche, eccetera si contano sulle dita di una mano; e soprattutto se i media in generale e la pubblicità in particolare continuano a proporre un’immagine distorta che declina e perpetra i vecchi schemi della cultura machista. Schemi che, attraverso questo costante stillicidio si riproducono, radicandosi nelle menti delle persone comuni: “Se sei un maschio medio, puoi fare quello che ti pare”. A lungo termine questo è un’autodistruzione collettiva, perché è provato che le donne rappresentano un’importante risorsa d’innovazione in campo culturale, economico e lavorativo.

Qual è la ricetta per arginare di questo disastro?

ANGELUS

L’Angelus 1857-1859 Olio su tela Cm 55,5 x 66. L’Angelus il cui titolo iniziale era “Preghiera per il raccolto di patate”è conservato al Musée d’Orsay di Parigi.

Umile, è la parola giusta per definire questa immagime rappresentata nel quadro. I colori bruni primeggiano sulla tela colorando terra e abiti, imbrunando anche l’aria in un paesaggio quasi privo di lussureggiante vegetazione e l’assoluta mancanza di alberi, sottolinea ancora di più la durezza della natura. La forza dell’umiltà viene tramessa dalle due figure di contadini poste al centro del quadro a capo chino e intenti a pregare. Un uomo e una donna vestiti di abiti poveri, lasciato temporaneamente il lavoro di raccolta di patate, paiono udire in lontananza un suono di campane e a tale suono mestamente si raccolgono in preghiera recitando il vespro ( le preghere del tramonto). Anche di attrezzi è povera la scena: un cesto, una forca ed una carriola sono presenti vicino alle due figure colme di devozione e semplicità. Che sia l’ora del tramonto possimamo dedurlo da alcuni particolari che a prima vista sfuggono all’osservatore. Ad una analisi più attenta possiamo notare che il cielo non è nudo ma alcuni uccelli in stormo, in alto nel quadro, volano in una determinata direzione istintivamente scelta per passare la notte in qualche radura. I colori che sfumano in tenue arancione nel cielo e l’aria bruna tipica del tardo pomeriggio li colgono attardati e ancora intenti al lavoro com’era d’uso in quel mondo, quando in lontananza, un suono di campane proveniente dalla chiesetta di cui si scorge il campanile quasi indistinguibile, li avvisa che l’ora del vespro è arrivata. Propongo questo quadro perchè trovo in lui una forza evocatrice straordinaria di quel mondo di cui ho fatto appena in tempo ad udirne gli echi e odorarne la povertà. Solo i racconti di vecchi braccianti o anziane mondine possono delinearci meglio quel mondo contadino in cui oggi non vi è più traccia fortemente riconoscibile. Un’idea di quel mondo, del modo di vivere può darcela il Museo Agricolo di Albairate, dove attrezzi, suppellettili e storia ci lasciano immaginare quella che è stata la vita rurale. Di Jean-François Millet i testi riportano che non era osservante e che abbia voluto rappresentare questa scena agreste basandosi sui ricordi dell’infanzia in Normandia.

PIERRE SOULAGES

Born in Rodez (Aveyron) in 1919, Soulages also is known as "the painter of black" because of his interest in the colour, "...both a colour and a non-colour. When light is reflected on black, it transforms and transmutes it. It opens up a mental field all of its own". He sees light as a matter to work with; striations of the black surface of his paintings enable him to make the light reflect, allowing the black to come out from darkness and into brightness, thereby becoming a luminous colour.




Before World War II, Soulages already had toured museums in Paris seeking his vocation and after wartime military service, he opened a studio in Paris, holding his first exhibition at the Salon des Indépendants in 1947. He also worked as a designer of stage sets.



In 1979, Pierre Soulages was made a Foreign Honorary Member of the American Academy of Arts and Letters.



From 1987 to 1994, he produced 104 stained glass windows for the Romanesque Abbey church Sainte-Foy in Conques (Aveyron, France).



Soulages is the first living artist invited to exhibit at the state Hermitage Museum of St. Petersburg and later with the Tretyakov Gallery of Moscow (2001).



A composition he created in 1959 sold for 1.200.000 euros at Sotheby's in 2006.



In 2007, the Musée Fabre of Montpellier devoted an entire room to Soulages, presenting his donation to the city. This donation includes twenty paintings dating from 1951 to 2006, among which are major works from the 1960s, two large plus-black works from the 1970s, and several large polyptychs.



A retrospective of his art was held at the Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou from October 2009 to March 2010. In 2010, the Museo de la Ciudad de Mexico presented a retrospective of Soulages' paintings that also included an interview-video with the painter (Spanish subtitles).

BORIS KUSTODIEV

Boris Michajlovič Kustodiev in russo: Борис Михайлович Кустодиев (Astrachan', 7 marzo 1878 – Leningrado, 28 maggio 1927) è stato un pittore e scenografo russo.
Kustodiev nacque ad Astrachan', nella famiglia di un professore di filosofia, storia della letteratura e logica presso il locale seminario teologico. Suo padre morì giovane, ed il peso del mantenimento della famiglia ricadde sulle spalle della madre. La famiglia Kustodiev affittò una piccola ala della casa di un ricco mercante. È qui che il ragazzo formò le sue prime impressioni sulla vita della classe mercantile nella provincia russa. L'artista scrisse successivamente: "Il modo di vivere dei ricchi e facoltosi mercanti era proprio lì, sotto il mio naso... Era come se venisse da un'opera di Ostrovskij". L'artista conservò queste impressioni giovanili per anni, ricreandole successivamente negli oli e negli acquerelli.



Studi artistici

Tra il 1893 ed il 1896, Kustodiev studiò presso il seminario teologico ad Astrachan' e prese lezioni private di arte da Pavel Vlasov, allievo di Vasilij Perov. Successivamente, dal 1896 al 1903, frequentò lo studio di Il'ja Repin all'Accademia Imperiale delle Arti di San Pietroburgo. Nello stesso periodo, frequentò lezioni di scultura, da Dmitrij Stelletskij, e di incisione, da Vasilij Mate. Espose le sue opere per la prima volta nel 1896.

Repin scrisse: "Ho grandi speranze per Kustodiev. È un artista di talento ed un uomo serio e riflessivo, con un profondo amore per l'arte; sta eseguendo un attento studio della natura...". Quando a Repin fu commissionata la realizzazione di una grande tela per commemorare il centesimo anniversario del Consiglio di Stato, invitò Kustodiev come suo assistente. La realizzazione fu estremamente complessa e richiese molto duro lavoro. Insieme al suo insegnante, il giovane artista realizzò gli studi dei ritratti per il dipinto, ed eseguì poi la parte di destra del lavoro finale. Sempre in questo periodo, Kustodiev realizzò una serie di ritratti di personaggi contemporanei che sentiva essere i propri compagni spirituali. Tra di essi l'artista Ivan Bilibin (1901) e l'incisore Mate (1902). Il lavoro su questi ritratti aiutò considerevolmente l'artista, obbligandolo ad uno studio scrupoloso del proprio modello e a penetrare il mondo complesso dell'animo umano.

Nel 1903 sposò Julia Proshinskaja (1880-1942). Visitò la Francia e la Spagna, grazie ad un sussidio dell'Accademia Imperiale delle Arti, nel 1904. Sempre nel 1904, frequentò lo studio privato di René Menard a Parigi. In seguito viaggiò ancora in Spagna e quindi, nel 1907, in Italia. Nel 1909 visitò l'Austria e la Germania, e poi nuovamente la Francia e l'Italia. Nel corso di questi anni dipinse molti ritratti ed opere di genere. Comunque, indipendentemente da dove si trovasse, nell'assolata Siviglia o nei parchi di Versailles, Kustodiev sentiva l'irresistibile attrattiva della madre patria. Dopo cinque mesi in Francia tornò in Russia, scrivendo con evidente gioia al suo amico Mate che tornava ancora una volta "nella nostra benedetta terra russa".

Carriera artistica
La rivoluzione russa del 1905, che scosse le basi della società, stimolò una pronta risposta nell'animo dell'artista. Egli collaborò con le riviste satiriche Župel (Lo spauracchio) e Adskaja Počta (La posta dell'inferno). All'epoca, incontrò per la prima volta gli artisti del gruppo Mir iskusstva (Il mondo dell'arte), composto da artisti russi innovatori. Si unì alla loro associazione nel 1910 ed in seguito partecipò a tutte le loro esposizioni.

Nel 1905, Kustodiev cominciò a lavorare anche all'illustrazione di libri, un settore a cui lavoro per tutta la vita. Illustrò molte opere della letteratura classica russa, tra cui Le anime morte, Il calesse ed Il cappotto di Gogol'; Il canto dello Zar Ivan Vasiljevič', del giovane Opričnik e del valoroso mercante Kalašnikov di Lermontov; Come il Diavolo rubò ai contadini un tozzo di pane e La candela di Lev Tolstoj.

Nel 1909 venne eletto all'Accademia Russa di Belle Arti. Continuò a lavorare intensamente, ma una grave malattia, la tubercolosi della spina dorsale, lo costrinse a curarsi. Su suggerimento dei suoi medici si spostò in Svizzera, dove passò un anno sottoponendosi a cure in una clinica privata. Sentiva però la mancanza della patria lontana, e temi russi continuarono ad essere alla base delle opere dipinte in quegli anni. Nel 1918 dipinse La moglie del mercante, che divenne il più famoso dei suoi quadri.

Nel 1916 divenne paraplegico. Scrisse: "Ora tutto il mio mondo è la mia stanza". La sua capacità di rimanere contento e vitale, nonostante la paralisi, stupiva tutti. I suoi dipinti colorati e di genere gioioso non rivelano le sue sofferenze fisiche, e forniscono al contrario l'impressione di una vita allegra e spensierata. I suoi Il martedì delle frittelle e Fontanka (1916) prendono spunto dai suoi ricordi. Ricostruiva con precisione la propria giovinezza, in una attiva città sulla riva del Volga.
Nei primi anni successivi alla Rivoluzione del 1917, l'artista lavorò con grande ispirazione in diversi campi. Temi contemporanei divennero la base dei suoi lavori, che erano usati per calendari e copertine di libri, e negli schizzi ed illustrazioni per le decorazioni stradali. Le sue copertine delle riviste "Il campo di grano rosso" e "Panorama rosso" attirarono l'attenzione grazie ai soggetti vividi e chiari. Kustodiev lavorò anche nella litografia, illustrando i lavori di Nekrasov. Le sue illustrazioni per le storie di Leskov La rammendatrice e Lady Macbeth di Mtsensk, furono pietre miliari nella storia dell'illustrazione di libri in Russia, tanto bene corrispondevano alle immagini letterarie.

Scenografia
L'artista si interessò anche di disegno di scenografie. Cominciò a lavorare in teatro nel 1911, quando disegnò le scene per Un cuore ardente di Aleksandr Nikolaevič Ostrovskij. Il successo fu tale che le proposte continuarono ad arrivare. Nel 1913, disegnò scenografie e costumi per La morte di Pažuchin di Michail Evgrafovič Saltykov-Ščedrin al Teatro d'Arte di Mosca. Il suo talento in questo campo fu evidente soprattutto nel suo lavoro per le opere di Ostrovskij: È un affare di famiglia, Un colpo di fortuna, Lupi e pecore e La tempesta. L'ambientazione delle opere di Ostrovskij era la vita di provincia ed il mondo della classe mercantile, molto vicino al genere di pittura di Kustodiev, per cui fu in grado di lavorare facilmente e velocemente sulle scenografie.
Nel 1923, Kustodiev si unì all'Associazione degli Artisti della Russia Rivoluzionaria. Continuò a dipingere, incidere, illustrare libri e disegnare scenografie teatrali fino alla sua morte, avvenuta il 28 maggio 1927, a Leningrado.

JOHN WILLIAN WATERHOUSE

Vita e opere J.W. Waterhouse nacque a Roma da William e Isabela Waterhouse, entrambi pittori, e si trasferì con la famiglia a South Kensington all'età di cinque anni. Cresciuto così accanto al nuovissimo Victoria and Albert Museum, studiò pittura con suo padre e si iscrisse alla Royal Academy nel 1870. Le sue opere giovanili, profondamente influenzate da Lawrence Alma-Tadema e Frederic Leighton, mutuano prevalentemente i loro soggetti dalla mitologia classica e furono esposti sia alla Royal Academy che alla Dudley Gallery.


Nel 1874, all'età di venticinque anni, Waterhouse presentò alla Royal Academy il primo dei suoi lavori maturi, l'allegoria Il Sonno e la sua sorellastra la Morte che lo rese celebre e rimase per decenni una delle opere più amate dal pubblico. Dopo aver sposato Esther Kenworthy nel 1883, Waterhouse intensificò la sua attività di pittore all'interno della Royal Academy, ottenendo la cattedra nel 1895; insegnò anche alla St. John's Wood Art School del cui club fu membro fino alla morte.

Si ammalò di cancro nel 1915 e morì due anni dopo, lasciando a metà uno dei suoi numerosi quadri raffiguranti la morte di Ofelia. La sua tomba si trova al Kensal Green Cemetery di Londra.

Temi ricorrenti [modifica]La produzione di Waterhouse può essere raggruppata per temi entro due filoni principali: le opere di ispirazione classica e le opere di ispirazione medievale, tra cui spiccano i numerosi Ofelia e La signora di Shalott, oltre ad altri dipinti a tema shakespeariano.

La signora di Shalott è uno dei personaggi che maggiormente ispirarono Waterhouse, portandolo a realizzare almeno tre differenti dipinti nel 1888, nel 1896 e nel 1916. Il tema della donna che si strugge per amore, in questo caso Elaine of Astolat, ricorre nei dipinti di Waterhouse: non a caso un altro dei suoi soggetti ricorrenti è Ofelia nell'atto di raccogliere fiori, poco prima della morte. Il dipinto unisce il tema femminile a quello dell'acqua, un'associazione che - insieme a quella con il fiore - è tipica della pittura simbolista in generale e dei preraffaelliti in particolare.

Frequenti sono anche le Scene di vita nell'antica Roma, permeate da una delicata e decadente indolenza, cui sono assimilabili anche le numerose scene di vita ambientate in Italia.

Samuel Lewis Francis (June 25, 1923, San Mateo, California – November 4, 1994, Santa Monica, California)

Considered one of the premier colorists of the twentieth century, Sam Francis is best known for dramatic, lushly painted works comprised of vivid pools of color, thinly applied. Drips, gestures, and splatters of paint in his work have led many critics to identify him as a second-generation Abstract Expressionist, but Francis has also been compared to Color Field artists on the basis of large, fluid sections of paint that seem to extend beyond the confines of the pictorial surfaCE

In 1964, the influential art critic Clement Greenberg included Francis in his celebrated exhibition Post-Painterly Abstraction at the Los Angeles County Museum of Art. In the catalogue, Greenberg described Post-Painterly Abstraction as both being related to and distinct from Abstract Expressionism. Greenberg wrote, “By contrast with the interweaving of light and dark gradations in the typical Abstract Expressionist picture, all the artists in this show move towards a physical openness of design, or towards linear clarity, or towards both.”

JOHN HOYLAND was born in Sheffield, Yorkshire, and educated at Leighton Park School, before going onto study at Sheffield School of Art, Psalter Lane, and the Royal Academy Schools.He was elected to the Royal Academy in 1991 and was appointed Professor of the Royal Academy Schools in 1999. The National Portrait Gallery holds portraits of the artist in its collection.


Hoyland's first solo exhibition was held at the Marlborough New London Gallery in 1964 and he had a solo show at the Whitechapel Art Gallery in 1967. In the 1960s, Hoyland's work was characterised by simple shapes, high-key colour and a flat picture surface. In the 1970s his paintings became more textured. He exhibited at the Waddington Galleries, London throughout the 1970s and 1980s. During the 1960s and 1970s, he showed his paintings in New York City with the Robert Elkon Gallery and the André Emmerich Gallery. His paintings are closely aligned with Post-Painterly Abstraction, Color Field painting and Lyrical Abstraction. Hoyland disliked the "abstract" painter label and described himself as "a painter"




Retrospectives of his paintings have been held at the Serpentine Gallery (1979), the Royal Academy (1999) and Tate St Ives (2006). He won the 1982 John Moores Painting Prize


His works are held in many public and private collections including the Tate.In September 2010, Hoyland and five other British artists including Howard Hodgkin, John Walker, Ian Stephenson, Patrick Caulfield and R.B. Kitaj were included in an exhibition entitled The Independent Eye: Contemporary British Art From the Collection of Samuel and Gabrielle Lurie, at the Yale Center for British Art.